Spasian, con Gloriana Sandoval by Obra Gris

Conozco a Gloriana Sandoval desde la infancia. La de ella más que la mía. Fue compañera del kindergarten de una de mis primas y vecina del barrio. Gloriana es fotógrafa y directora de arte y desde hace unos tres años ha ido poco a poco haciendo una colección de piezas de Obra Gris que la acompañan en su día a día. Años después nos cruzamos en la misma escena en San José, ahora adultos, ahora artistas, ahora combinando ideas, como en esta conversación.

OSCAR RUIZ-SCHMIDT: Leí una vez que el estilo es la expresión de la individualidad mezclada con carisma. En tu caso agregaría además la palabra enigma. Yo que te conozco desde la infancia puedo decir que la idea de enigma que te circunda viene por la noción de que “puede ser” que tenés algo oriental pero que no se explica cómo. ¡En la infancia te decían china! Así que pienso que hay algo de tu imagen personal que siempre hace un guiño hacia Asia. 

Muchas veces cuando estoy en el taller planeando producción o diseñando piezas nuevas, tengo arquetipos de coleccionistas en mente y más o menos sé con quién van a resonar unos cosas y con quienes otras. En mi proceso de inspiración trato de simplificar siempre, una y otra vez, quitar todo lo innecesario y que sea la forma mínima la que hable y funcione. Me interesa mucho la idea del futuro. O la idea de las cosas que están por venir. Esa idea del futuro es clara y simple. Resulta que esas son las piezas que con vos resuenan más. Creo que eso resume un poco el concepto que nos inventamos el otro día en un fitting. ¿Vos cómo te imaginas a la gente vestida en el futuro? Yo creo que vamos a estar todos vestidos de azul o de gris. Una mezcla entre todos los colores. 

GLORIANA SANDOVAL: Yo creo que el futuro va a ser simple, limpio y funcional. Me imagino las prendas como una segunda piel que fusiona tecnología e innovación textil para crear piezas que no cumplan sólo con una necesidad, sino muchas. Versatilidad también es una palabra que para mí define la moda en el futuro.Tenemos que dejar de pensar en la moda como cosas "trendy" y  empezar a pensarla desde la funcionalidad y la versatilidad. En el futuro creo que las personas van a tener una o dos piezas increíbles, transformables y que satisfagan todas sus necesidades. Me gustaría pensar que el estilo es evolución, y como cualquier proceso evolutivo vamos en camino a eliminar todo aquello que no cumpla una función.

ORS: Cuando hice la maestría tuvimos un ejercicio en el que nos ponían a pensar en el uso de una prenda o de las prendas a nivel de código adscrito a una actividad. Como cuando te vestís para una boda o algo muy formal, pero luego vas a otro lugar en el que tu look no calza, y llegás con los zapatos en la mano y con la jacket de tu date en los hombros por que te dió frío y se te cayó el peinado o perdiste un arete. Lo que decís de versatilidad para mí empata con estas nociones. Para mí el uso de una prenda es el que uno le da, no el que viene dictado por su forma o material y cuando las cosas se salen de contexto es cuando llaman la atención o se resemantizan. ¿Que características tienen las cosas que más te gustan a vos?

GS: Claro es justo eso y creo que es una línea divertida para jugar cuando se trata de estilo. ¿Por qué usar una pieza pensada para una ocasión específica cuando la podés resemantizar? En general yo siempre busco sentirme cómoda y incluse llevarlo más allá, hablemos de confort. Como cuando me probé en el taller el set de 3 piezas de seda y te dije “¡necesito esto!”. Más que una decisión estética fue una decisión de confort, y qué bien se siente andar vestida de pies a cabeza de seda. Y esa es la característica que busco en la mayoría de piezas, que me hagan sentir cómoda en cualquier situación o bajo cualquier contexto. Además de eso me gusta la simpleza, prefiero que las cosas que uso destaquen por su forma o estructura más que por otros valores como el color por ejemplo. 

ORS: Para mí eso que decís es super importante: como te hace sentir usar un material. Y como cuidarlo para que te dure todo el tiempo que se pueda posteriormente. Por eso prefiero trabajar con materiales naturales, que se sienten bien en la piel y que funcionan con el clima. Esa sensación de tener puesto todo de seda es inexplicable, hay que sentirla para saber lo que es. Y creo que una vez que sentís eso no querés tener nada de poliéster nunca más, ¿verdad?. ¿Cuáles son tus materiales favoritos? ¿o cual pensás que no tenés suficiente?

GS: Sí, y ese es uno de los grandes impactos que ha tenido Obra Gris en mi. Conocerte a vos, tu visión y tu trabajo me ha hecho más consiente en la elección de materiales. El otro día estaba en una tienda y revisé la composición textil de cada una de las prendas que me llamaron la atención, ¡todas tenían poliéster!. De una dejaron de ser opciones, quedaron completamente descartadas. Sin duda la seda es uno de mis materiales favoritos pero puede ser un poco over the top para un día común, y yo tengo muchos días comunes. El algodón me parece increíble para este país tropical donde vivimos, fresco y ligero. Y definitivamente debería tener más piezas de tencel, me gustan los materiales suaves, "fríos" y que me dejen respirar. 

 

ORS: Cuando te vestís en la mañana, ¿cómo te enfrentás a la toma de decisión sobre que querés usar? ¿Pensás en tus actividades del día, en color o en un mood específico?

GS: Yo soy de esas personas que en la mañana antes de vestirse siempre chequea el app del clima y a partir de eso empiezo a tomar decisiones. Más que pensar en las actividades pienso en qué debería usar para estar cómoda todo el día y no sentir que no calzo en una actividad específica. Mis días básicamente se dividen en 8 horas en la oficina, reuniones o días enteros de producción y necesito que lo que me ponga funcione en cualquiera de esos contextos. Yo no soy mucho de tener un "protocolo" de cómo debería verme para una reunión, soy más de escoger prendas que funcionen para un montón de cosas y lo más importante que no me hagan sentir disfrazada. Me he enfocado tanto en la comodidad que vestirme se ha convertido en un proceso effortless, agarro un par de cosas y ahora todas funcionan entre sí, ¡es mágico! 

ORS: ¿Y cuál es tu approach al color? ¿Tenés colores asociados a estados de ánimo o sentís que el color es una constante?

GS: Podría decir que mi approach con el color es bastante extremo, casi siempre ando de negro pero cuando decido incluir color en mi ropa lo hago notar. Cuando estaba en la universidad cursando la materia de Pensamiento, Estética y Representación recuerdo las palabras de mi profesor contando como había decidido cambiar toda su ropa por prendas negras de la misma hechura por una cuestión de optimización del tiempo en las mañanas, básicamente tenía 5 t-shirts negras, 5 pantalones negros, medias negras, todo negro. Su decisión me pareció visionaria. Así fue como mi closet se transformó en un montón de piezas negras que combinan materiales y texturas. Sin embargo hay algo particular que me pasa con Obra Gris y es que siempre me atrevo a escoger las piezas en los colores más bright y son el complemento perfecto al resto de mis cosas. Me gustan los colores vibrantes, rojo, verde neón, amarillo porque siento que tienen la misma presencia que el negro, son colores que me hacen sentir dominante, no me gusta pasar desapercibida. Definitivamente el color no es una constante en mi día a día pero es un valor que aprovecho para sobresalir en los días o situaciones en donde necesito un boost de seguridad. 

Glori-29.jpg

ORS: Tal vez para cerrar ¿te parece terminar con un playlist Spasian?

GS: ¡Obvio! Si tuviera que salir de la tierra en una cápsula de fijo se reproduciría esto en mis audífonos.

Trans Europe Express - Kraftwerk

Fade in Hong Kong - Video Liszt

Alien Days - MGMT

Saunter - Arca

Halo - Kirin J Callinan

Space Is only Noise If You Can See - Nicolas Jaar

Future Forever - Bjork/Arca

Planisphere - Justice

The Big Ship - Brian Eno

Electronic Performer - Air

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I've known Gloriana Sandoval since childhood. Hers more than mine. She went to kindergarten with one of my cousins nd was also her next door neighbor. Gloriana is a photographer and art director and for the past three years she has been gradually making a collection of Obra Gris pieces that she’s incorporated into her every day wardrobe. Years later we came across in the same scene in San José, now adults, now artists, now combining ideas, such as in this conversation.

OSCAR RUIZ-SCHMIDT: I read once that style is the expression of individuality mixed with charisma. In your case I would also add the word enigma. Knowing you since childhood I can say that the idea of his enigma that surrounds you comes from the notion that “maybe” you have asian heritage but that nobody knows how. Your childhood nickname is China! So I think there's something about your personal image that always makes a nod to Asia.

Many times when I am in my studio planning production or designing new pieces, I have archetypes of collectors in mind and I more or less I know who will resonate with some piece and whom with another. In my inspiration process I always try to simplify, over and over again, to remove everything that’s unnecessary and to have the purest and most minimal shape speaks. I'm very interested in the idea of he future. Or the idea of he shapes of things to come. This idea of he future is clear and simple. It turns out that those are the pieces that resonate with you the most. I think that sums up a bit the concept we made up together the other day in a fitting. How do you imagine people dressed in the future? I think we're going to be all dressed in blue or gray. A mixture between all colors.

GLORIANA SANDOVAL: I believe that the future will be simple, clean and functional. I imagine garments as a second skin that fuses technology and textile innovation to create pieces that do not meet only one need, but many. Versatility is also a word that defines fashion for me in the future. We have to stop thinking about fashion as trend or hype things and start thinking about  functionality and versatility. In the future I believe that people are going to have one or two awesome transformable pieces that satisfy all their needs. I would like to think that style is evolution, and like any evolutionary process we are on the way to eliminate everything that does not fulfill a function.

ORS: When I did my master's degree, we had an exercise in which we were thinking about the use of a garment assigned for a specifi activity. Like when you dress for a wedding or a very formal evente, but then you go to another place where your look does not fit, and you arrive holding the shoes in your hand and your date’s jacket over your shoulders because you were cold and your hairdo got messy or you lost an earring. What you say here about versatility for me ties in with these notions. For me the use of a garment is what the wearer intends for it to be, not the one dictated by its shape or material and when things are put out of context is when they draw attention or they’re re-contextualized. What characteristics do the things that you like the most have?

GS: That’s exactly the fuzzy place where it's fun to play when it comes to style. Why use a piece designed for a specific occasion when you can re-contextualize it? In general, I always try to feel comfortable and taking it further, let's talk about comfort. Like when I tried on at the studio the 3 piece silk set and said "I need this!". More out of comfort than for a look, and how does it feel to wear silk head to toe!. That’s the characteristic that I look for in most pieces, they should make me feel comfortable in any situation or in any context. In addition to that I like simplicity, I prefer that the things I use stand out for their shape or structure more than for other values uch as color for example.

ORS: For me what you say is super important: how a certain material makes you feel. And how to care for it so it lasts as long as possible. That's why I prefer to work with natural materials, which feel good on the skin and work well with our weather conditions. That feeling of having everything made of silk is inexplicable, you have to feel it to know what it is. And I think once you experience it you never want polyester anymore, right? What are your favorite materials? Or what do you think you do not have enough of?

GS: Yes, and that is one of the great impacts that Obra Gris has had on me. Knowing you, your vision and your work has made me more aware of the choice of materials I make. The other day I was in a store and I checked the textile composition label of each of the clothes that caught my attention, they all had polyester! They immediately stopped being options, they were completely discarded. No doubt silk is one of my favorite materials but it can be a bit over the top for an ordinary day, and I have many of those. Cotton seems incredible for this tropical country we live in, it’s fresh and light. And I should definitely have more tencel pieces. I like soft materials that feel cool and let me breathe.

ORS: When you dress in the morning, how do you decide what you want to wear? Do you think about your daily activities, or do you go by color or a specific mood?

GS: I always check the weather app and from there I start making decisions. More than thinking about the activities, I think about what I should wear to be comfortable all day and not feel that I don’t fit for a specific activity. My days are basically divided into 8 office hours, meetings or full production days and I need to be dressed for those contexts. I don’t have a protocol of how I should see myself for a meeting, I choose clothes that work for a lot of things and most importantly I don’t want to feel like I’m in a costume. I have focused so much on comfort that dressing has become an effortless process, I grab a couple of things and now they all work together, it's magical!

ORS: And what is your approach to color? Do you have colors associated with moods or is color rather a constant decision?

GS: I could say that my approach to color is quite extreme, I almost always wear black but when I decide to include color in my clothes I make it noticeable. When I was in college taking this class called Thought, Aesthetics and Representation I remember my teacher telling how he had decided to dress all black to save time in the morning, and basically had 5 black t-shirts, 5 black pants, and black socks. His decision seemed visionary to me. That's how my closet transformed into a pile of black pieces that combine materials and textures. However there is something particular that happens to me with Obra Gris and it’s that I always dare to choose the pieces in the brightest colors and they are the perfect complement to the rest of my things. I like vibrant colors, red, neon green, yellow because I feel they have the same presence as black, they are colors that make me feel dominant, I do not like to go unnoticed. Definitely color is not a constant in my day to day but it is a value that I take advantage of to excel in days or situations where I need a security boost.

ORS: To wrap up our interview, how about a Spasian playlist?

GS: Absolutely! If I had to leave the Earth in a capsule this is what I would play in my speakers:

Glori-66.jpg

Trans Europe Express - Kraftwerk

Fade in Hong Kong - Video Liszt

Alien Days - MGMT

Saunter - Arca

Halo - Kirin J Callinan

Space Is only Noise If You Can See - Nicolas Jaar

Future Forever - Bjork/Arca

Planisphere - Justice

The Big Ship - Brian Eno

Electronic Performer - Air

Photography Juan Tribaldos

Hair and makeup Natalia Briceño for Babyface and Gabriel Hidalgo

Styling Oscar Ruiz-Schmidt and Gloriana Sandoval

Asistente Roberto Castillo

Estructuras para habitar, spaces to breathe, con María de la Paz Alice by Obra Gris

En el año 2001 mientras empezaba mis estudios en Bellas Artes participé por primera vez en la Bienarte. Tenía 20 años y envié dos pinturas que fueron aceptadas en la muestra que además sería mi primera exposición. Uno de los dos cuadros lo compró Ronald Zürcher, gestor de Bienarte y esposo de quién años después se convertiría no sólo en mi mayor coleccionista, sino en mi amiga, María de la Paz Alice

Cuando regresé a Costa Rica de mis estudios en moda en Alemania me tocó entender lo que significaba producir desde acá, montar un taller, seguir trabajando en mi propuesta, plantearla, desarrollarla. Materializar las ideas y los conceptos es sólo uno de los pasos en el diseño de indumentaria. Luego de generar la propuesta, ésta sólo tiene sentido hasta que alguien se identifica con las prendas y decide incorporarlas a su vida y proveerles cuerpo, espíritu e identidad.

Hay un vínculo importante entre mi aproximación al cuerpo y en como éste se de y re-construye en posibilidades e interpretaciones de forma. Partir de la geometría hace que tanto el proceso como el resultado se pueda leer como una propuesta arquitectónica o escultórica sobre ese cuerpo (siempre) cambiante. No es fortuito pues que entre mis coleccionistas hayan arquitectas como es el caso de María de la Paz. Tengo que confesar que cuando me imaginaba a una “madrina”, después de conocerla de vista por el mundo del arte, para mí ella era una idealización. 

En el 2015 empezamos a comunicarnos y me visitó en mi taller. Desde entonces hemos forjado un diálogo que me ha ayudado muchísimo a darle forma y dirección a mi propuesta y para mí María es ahora una consejera, amiga y mentora. 

Pirita dress in iridescent cotton poplin with adjustable strings

OSCAR RUIZ SCHMIDT: ¿Desde cuando te comenzó a interesar el arte y la arquitectura? ¿Ha sido una inquietud tuya desde la infancia o cuando podrías decir qué te comenzó a interesar?

MARIA DE LA PAZ ALICE: Creo que a quién le gusta el arte o cualquier manifestación creativa lo trae en su ADN. Yo no fui la excepción. Desde niña me encantaba ir a museos y exposiciones, iba mucho a trabajar en cerámica al taller de mi tía Ivette y volvía loca a mi mamá (científica 100%) porque yo sabía exactamente qué quería ponerme siempre y nunca era lo que había disponible, y no siempre era apropiado. Me tenían que llevar a hacer la ropa donde doña Maria Eugenia Carazo (la abuela de Memo Tovar), porque nunca encontraba lo que quería. Además me encantaba ir porque don Claudio siempre estaba en la casa pintando o dibujando sus emblemáticas caricaturas. Ella me hizo todos mis vestidos ‘importantes’: 15 años, graduación, etc.Ya en el cole tuve el privilegio de tener al maestro Rafael Otton Solís de profesor de arte, por tres años. Hasta muchos años después entendí el lujo de tenerlo como profe. Mente y corazón abiertos, callado, suave, vanguardista. Podría jurar que sólo yo lo ‘captaba’ en ese cole y sólo yo lo aprovechaba. Me dijo que era buena y me lo creí. Le hacía los trabajos finales a mis amigos, y empecé a pensar que podría ser algo en lo que podría ganarme la vida. Todavía tengo la carta de recomendación que con su puño y letra me hizo para aplicar a las universidades.

Crisis económica familiar, la necesidad de estudiar algo más ‘práctico‘ y un viaje a Washington donde conocí el edificio de I. M. Pei para la expansión del National Gallery, fue suficiente para decidirme por la arquitectura, y por suerte, porque a medida iba aprendiendo más de arte, me daba cuenta que no era tan buena como pensaba. No sabía en lo que me estaba metiendo. La arquitectura eran todas las complejidades del arte, más las consideraciones técnicas, climáticas, topográficas, suplir las necesidades funcionales y espaciales, las limitaciones de presupuesto, la tramitología, las ocurrencias del cliente y convertir su sueño en realidad...

Multiple dress in cotton jersey and Marquesa silk organza blazer

ORS: Algo que me llama la atención muchísimo sobre la arquitectura es ese juego entre el espacio, la escala, la relación con la dimensión humana y el entorno. A mí me pasa con moda que cuando pienso en piezas nuevas o en formas nuevas que quiero trabajar, me las imagino como dibujos en mi cabeza primero, luego trato de ponerlos en papel y después de eso, descifrar como construirlos, ya sea con patronaje plano o drapeado. Los materiales y los colores vienen luego. La moda me parece tímida a nivel de escala en comparación con la arquitectura por que se reduce a objetos pequeños, manipulables, dóciles si se quiere. ¿Cómo es para vos el proceso de asumir un nuevo proyecto?

MPA: Al asumir un nuevo proyecto de arquitectura, para mí primero es fundamental estudiar el sitio, sus condiciones y posibilidades, el programa y el entorno, para tenerlo en cuenta y sacarle todo el provecho en el diseño. Hago un poco de introspección para estar clara conmigo misma sobre cuál es mi visión del mundo en ese momento, cuáles son mis posturas estéticas, éticas y filosóficas, y qué es lo que quisiera comunicar. Al fin y al cabo arquitectura, al igual que la moda y que el arte, es comunicación, y esta introspección me ayuda a tener un resultado coherente y comprometido con mis creencias y a no distraerme de mi objetivo. 

Todo esto es el preámbulo para acto y seguido entrar en estado de total obsesión por días y semanas sin parar. Es un trance doloroso y estimulante a la vez. Es racional e intuitivo al mismo tiempo. Se sufre. Y ese momento cuando uno cree que tiene resuelto el proyecto y que logró algo ‘especial’, es el éxtasis. Uno vive para ese momento. El proyecto va tomando forma en la cabeza, y uno va por la vida haciendo croquis hasta en los semáforos en rojo, tratando de darle forma y poner en blanco y negro los espacios que ya recorrí en la mente. 

Después se resuelven, afinan y modifican dimensiones y los detalles técnicos, materiales, dimensiones, con el modelo digital. La tecnología es una herramienta buenísima para entender y corregir rápidamente proporciones, escala y sobre todo relación de volúmenes. La realidad virtual está también revolucionando esa parte posterior del proceso de diseño, porque podés recorrer tu proyecto por completo también internamente, con el nivel de detalle que querás. 

Me he dado cuenta de que mi manera de enfrentar un proyecto ha cambiado en la medida que he madurado. Ya no busco referencias, me alejo lo más que pueda de las tendencias y no me interesa tanto el resultado estético. Tampoco quiero impresionar a nadie, ni busco el ‘wow effect’. Ahora me interesa y conceptualizo los espacios desde lo sensorial. Cómo quisiera sentirme en determinado espacio, qué comportamiento o experiencia quiero promover con el uso de determinado recurso o secuencia? Es un intento sutil por crear atmósferas que promuevan en los habitantes una actitud específica y manipular de algún modo la psique. Y es que un espacio bien diseñado (sin importar la escala o el presupuesto) te puede elevar y mejorar tu calidad de vida. Ese es el poder de la arquitectura y es el poder del diseño. Es lindo pensar que uno puede impactar las vidas así por medio de su trabajo. Pienso que pasa igual con la moda. Te ponés un vestido increíble y te sentís invencible. Y todo estaba planeado por el diseñador :)

Cotton canvas jacket with copper foil details, over an organic cotton gauze wrap dress

ORS: Para mí es como cuando venís vos al taller y yo más o menos intuyo a cuales cosas vas a reaccionar, ya sea por color o por forma o por que se que funciona con piezas que tenés. Incluso planeando para esta sesión nos dimos cuenta que tenías piezas de colores muy neutros, pero revisando las fotos tenemos un montón de color en ellas. Yo tuve un un momento en el que neutralicé el uso del color para entender mejor la forma. Ahora siento que no me da miedo volver a utilizar colores muy brillantes, o la cantidad de rosado que entró al taller desde que nació mi sobrina, como dice ella, PINK! 

Tal vez a vos te pasa como a mí, que en general usamos poco color por que está presente en nuestro trabajo, y entonces a la hora de vestir, el color es una decisión casi pragmática y los neutros siempre funcionan. En Alemania entre mis compañeros siempre sentí que mi uso tropical del color difería en saturación y brillo y que eso era un reflejo del clima y la naturaleza. Así que seguimos dando vueltas alrededor de las sensaciones. Si tenés que pensar de forma super purista con los materiales y los colores, ¿cuáles son tus favoritos y como decidís usar uno sobre otro?

MPA: En mi trabajo procuro usar materiales modestos y naturales; piedra, madera, barro, y si uso materiales industriales procuro dejarlos lo más crudo posibles. Concreto expuesto, acero que se le vea la soldadura, block sin repellar. Lo más honesto posible. Me gusta que las texturas de los materiales se expresen tal cual y trato de que el color sea intrínseco del material. Si se puede, que todo se consiga localmente. No me interesa traer materiales exóticos de otros continentes, pienso que no suma a la calidad espacial, y además así es más gentil con el planeta. Por eso respeto tanto la arquitectura vernácula, porque es absolutamente eficiente y responde 100% a su entorno. Para mí esa simpleza es más elegante. De alguna manera eso se traduce también a mi estética al vestir, pero con el arte es otra cosa. Me encanta que sea el arte lo que da colorido a los espacios. Y en la arquitectura exteriormente, la vegetación y el paisaje es lo que me encanta que resalte. Mi arquitectura es casi como un contenedor o un fondo (backdrop) para que sean el paisaje, el arte y las personas las que brillen.

Neoprene Space coat with reflective piping and fringes

ORS: Me identifico mucho con lo que decís de la elegancia de la simpleza. Cuando pensás en una pieza de arte para tu colección, ¿en qué te fijas? Tenés un checklist de emociones que tenés que recorrer con la pieza o pensás de una vez en un espacio para mostrarla, o qué es lo que te mueve a querer tenerla?

MPA: En mi caso está el arte que uno quisiera para la colección, para vivir con él y está el que me emociona todavía más, que es el que no puedo tener. Este último es el arte más experiencial, el arte de gran escala, algunas piezas de arte público o el land art. Son piezas que juegan con tu percepción, que te impactan todos los sentidos, que tenés que movilizarte para ir a verlas. Soy una turista de arte total. Ando por el mundo buscando éstas piezas que ya de previo estudié, para ir a vivirlas en persona. Marfa, Inhotin, Naoshima, Yucatán... algún día iré al Lightning Field de Walter de Maria, y al Roden Crater de James Turell.

Nuestra colección es principalmente arte latinoamericano contemporáneo, y ha ido tomando varias vertientes (al principio inconscientemente). Está la obra que tiene que ver con lo arquitectónico (la materialidad, lo espacial, etc), luego también la que tiene una temática de naturaleza, y por último lo conceptual. Dentro de la obra conceptual que tenemos hay piezas que hablan de temas políticos, sociales, de género, y hasta vivencias del propio artista. Para mí es la más interesante, pues te exige más como espectador. Pero otras líneas aunque son de una lectura más fácil, las disfruto mucho también. Creo que esa es la clave, independientemente de si la obra calza o no en la colección, si te encanta, te divierte o te conmueve, apela a tus emociones, no podés dejar de pensar en ella, pues se vale incluirla en tu vida (poco como con la gente). Nunca pienso dónde la voy a colocar, incluso hay obra guardada... y constantemente estoy cambiando todo de lugar.

ORS: Tu biblioteca es preciosa, tanto el espacio como los libros en tus repisas. ¿Cuáles son tus libros favoritos?

Para leer:

1. The Fountainhead de Ayn Ran, mi absoluto favorito. 

Para estudiar/consultar:

2. Home Delivery editado por MOMA, es un estudio de la casa prefabricada pasada, presente y futura.

3. Design like you give a Damn (editado por Architecture for Humanity), es un libro que resume respuestas arquitectónicas a crisis humanitarias, comunidades en extrema pobreza, áreas de desastre, lugares muy alejados y zonas de conflicto. Extraordinario.
4. Form Follows Function de Johannes Kepler/Carsten Nicolai/Frei Otto/D’arcy W. Thompson
5. A Guide to Tropical Plants of Cosa Rica por Willow Zuchowski (en realidad todos las guías de árboles y plantas publicadas por el InBio son excelentes, los uso casi a diario).

Para ver:

6. Inez Van Lamsweerde & Vinoodh Matadin, fotógrafias de moda y retratos de personajes, es un libro muy sexy.
7. Roberto Burle Marx (visionario paisajista de la era del modernismo brasileño) por Hoffmann Nahson.


En mi mesa de noche siempre:
8. Tao Te Ching, por Lao Tzu (sabiduría zen muy práctica que me ayuda ser una mejor mamá...y además me lo regaló una amiga muy querida).


Mis tesoros:

9. La colección completa de Enciclopedia Británica de los 50’s que me heredó mi suegro. Los libros de ciencias de los 60’s de mi papá, y todos los libros antiguos de mi abuela, quien también me heredó su biblioteca completa. 
10. The Unbearable Lightness of Being por Milan Kundera. Amo la versión que me prestó un amigo en los noventas y nunca le devolví, lo que más me gusta son todas sus anotaciones.
11. Man’s Search for Meaning de Viktor Frankl (un poco de auto ayuda, ¡porqué no!).
12. Y como el resto del mundo, me estoy leyendo Sapiens: de animales a Dioses, de Yuval Noah Harari y por el momento ¡me está gustando mucho!.

Neoprene Shell coat with De Islas print and chiffon wide leg trousers

In the year 2001 while I began my studies in Fine Arts, I participated for the first time in the Bienarte. I was 20 years old and I sent two paintings that were accepted in the exhibition that would also become my first show. One of the two paintings was bought by Ronald Zürcher, founder of Bienarte and husband of whom years later would become not only my greatest collector, but also my friend, María de la Paz Alice.

When I returned to Costa Rica from my studies in fashion in Germany, I had to understand what it meant to produce from here, to set up a workshop, and continue working further on my proposal. Materializing ideas and concepts is just one of the steps in any process. After generating the concept, it only makes sense until someone identifies with the garments and decides to incorporate them into their life and provide them body, spirit and an identity.

There is an important link between my approach to the body and how it is and re and de-constructed into multiple possibilities and interpretations of shape and form. Starting from geometry means that both the process and the result can be read as an architectural or sculptural approach to this (ever) changing body. It is not fortuitous that among my collectors there are architects such as María de la Paz. I have to confess that when I imagined a "godmother", after knowing her from the perspective of the art world, for me she was an idealization.

In 2015 we started communicating and she visited me in my workshop. Since then we have forged a dialogue that has helped me a lot to give shape and direction to my proposal and for me, Maria is now a counselor, friend and mentor.

Linen and pleated metallic chiffon long sleeve top

OSCAR RUIZ SCHMIDT: Since when did you become interested in art and architecture? Has it been a concern of yours since childhood years or when would you say it started to interest you?

MARIA DE LA PAZ ALICE: I think that whomever is drawn to art or any creative manifestation has it in their DNA. I was not the exception. Since I was little I loved going to museums and exhibitions, I went to work a lot in ceramics at my aunt Ivette's workshop and it drove my mother crazy (she’s 100% scientific) because I knew exactly what I wanted to wear and it was never what was available, and it was hardly ever appropriate. So we had to go to Doña María Eugenia Carazo (Memo Tovar's grandmother) to have my clothes made, because I never found what I wanted. I also loved going to her house because Don Claudio was always in the house painting or drawing his emblematic caricatures. She made all my 'important' dresses: 15 years, graduation, etc. At school I had the privilege of having master Rafael Otton Solís as an art teacher for three years. Years later I understood the luxury of having had him as a teacher. Mind and heart open, quiet, soft, avant-garde. I could swear that I was the only person in that school who actually ‘got’ him. He told me I was good and I believed him. I would make my friends’ final projects and then started thinking that maybe art was something I could do for a living. I still have his handwritten letter of recommendation that I applied to universities with.

A economic family crisis, the need to study something more 'practical' and a trip to Washington where I visited I M Pei’s  building for the expansion of the National Gallery, was enough for me to decide for architecture, and luckily, because as I was learning more about art, I realized that I was not as good at it as I thought. I didn’t know what I was getting into though. Architecture had all the complexities of art, plus technical considerations, climatic, topographical, to meet the functional and spatial needs, budget constraints, paperwork, customer occurrences and making their dream come true...

Lupita dress in silk charmeuse and Scale jacket in bonded jersey with merino wool felted laser cut details

ORS: Something that draws my attention a lot about architecture is that match between space, scale, the relationship with the human dimension and the environment. It happens to me with fashion that when I think of new pieces or new forms that I want to work on, I imagine them as drawings in my head first, then I try to put them on paper and after that, I decode how to build them, either through flat pattern construction or draping. Materials and colors come later on. To me fashion seems timid in scale compared to architecture because it comes down to small, manipulable, docile objects if you like. How is the process of taking on a new project for you?

MPA: When assuming a new architecture project, for me first it is essential to study the site, its conditions and possibilities, the program and the surroundings; to take everything into account and take full advantage of it in the design. I do a bit of introspection to be clear with myself about what my vision of the world is at that moment, what my aesthetic, ethical and philosophical positions are, and what I would like to communicate. At the end of the day, architecture, like fashion and art, is communication, and this introspection helps me to have a coherent and committed result with my beliefs and not to be distracted from my goal.

All this is the preamble before entering into a state of total obsession for days and weeks on end. It is a painful and stimulating trance at the same time. It’s both rational and intuitive. It makes you suffer as well. That moment when you think you’ve solved the project and achieved something 'special', is ecstasy. I live for that moment. The project takes shape in my head, and suddenly I’m found drawing in my sketchbook even at the stop light while driving, trying to put on paper the spaces that I’ve already walked through in my mind.

Afterwards with the digital model, dimensions and technical details are refined. Technology is a great tool to quickly understand and correct proportions, scale and, above all, relations in volumes. Virtual reality is also revolutionizing that latter part of the design process, because you can go through the inside of your project with the amount of detail you want.

I’ve realized that my way of taking on a project has changed as I’ve matured. I no longer look for references, I get away as much as I can from trends and I am not so interested in the aesthetic result. I want neither to impress anyone, nor do I look for a 'wow effect'. Now I’m interested in conceptualizing spaces from the senses. How would I like to feel in a certain space, what behavior or experience do I want to foster with the use of a certain resource or sequence? It is a subtle attempt to create atmospheres that promote a specific attitude in the inhabitants and manipulate the psyche in some way. A well designed space can elevate you and improve your quality of life, regardless of the scale or budget. That is the power of both architecture and design. It’s nice to think that you can impact peoples’ lives through your work. I think it's the same with fashion. You wear an amazing dress and you feel invincible. And everything was planned by the designer :)

Cotton basketweave neon poncho dress

ORS: For me it's like when you come to the studio and I know in advance what things you’’ll probably react to, either because of the color or shape or because it works with other pieces of mine you already have. Even while planning this photoshoot we both realized that most of your pieces where in very neutral colors, however now while editing the photos we have a lot of color in them. I myself stood back from color for a while to better understand shape. Now I feel that I’m not afraid of very bright colors, or even of the amount of pink that’s entered the studio since my niece was born.

Maybe we’re alike in the sense that since color is present in our work, dressing becomes a pragmatic decision and neutrals always work. In Germany among my colleagues I always felt that my tropical use of color differed in saturation and brightness which was a reflection of  both nature and weather. So we keep circling around the topic of sensations. If you have to think super puristically about materials and colors, which are your favorites and how do you decide to use one over another?

MPA: In my work I try to use modest and natural materials and experiment new ways of dealing with them; stone, wood, mud, and if I use industrial materials I try to leave them as raw as possible. Exposed concrete, steel that shows welding, cinder blocks without a finish. As honest as possible. I like that the textures of the materials are expressed as such and I try to make the color intrinsic to the material. If possible, then everything is sourced locally. I’m not interested in importing exotic materials from other continents, I think it doesn’t add to the spatial quality, and it is a more gentil approach for our planet. That’s why I respect vernacular architecture, because it’s absolutely efficient and responds 100% to its surroundings. For me that simplicity is more elegant. In some way that also translates to my aesthetics when dressing. Regarding art, color is something else completely. I love art to be what provides color to spaces. And externally, it’s vegetation and landscape I want to stand out. The intention in my projects is for the architecture to be almost like a container or backdrop so that landscape, art and people can shine in.

Waxed metallic linen jacket with organic denim lining

ORS: I identify a lot with what you say about the elegance of simplicity. When you think of an art piece for your collection, what do you look for? Do you have a checklist of emotions that you have to go through as you confront with a piece of art or do you think in advance of an ideal space to show it, or what makes you want to have it?

MPA: In my case there is the art that I’d like for the collection, the kind you live with, and the one that excites me even more, which is the one that I can’t have. The latter is experiential, large-scale, public or land art. They’re pieces that play with your perception, that impact all of your senses, that you have to travel to see. I’m a total art tourist. I go around the world in order to experience all these art projects that I’ve previously been studying. Marfa, Inhotin, Naoshima, Yucatán… hopefully someday I'll go to the Lightning Field by Walter de Maria, and the Roden Crater by Turell.

Our collection is mainly contemporary Latin American art, and it encompasses many different topics. There are pieces that deal with the architectural (materiality, space, etc), others that deal with nature, and others are more conceptual. Within the conceptual work we have pieces that are political, social, gender oriented, and even experiences of the artists themselves. For me these are the most interesting, because they demand more from you as a spectator. But the other lines of work, although they’re easier to read, I enjoy them a lot too. I think that’s the key, regardless of whether or not the work fits in the collection, if you love it, if it entertains or moves you, appeals to your emotions, and you can’t stop thinking about it, then it’s worth including it in your life (little as with people). I never think of a piece in terms of where it can be installed, we even have pieces in storage, and besides  I’m constantly moving everything around, so that is not really a concern.

ORS: Your library is a delight and a treasure: the space as much as the books on your shelves. Which are your favorite ones?

To read:

1. The Fountainhead by Ayn Rand, my absolute favorite.

To study/consult:

2. Home Delivery edited by MOMA, is a study on the prefabricated house, past, present and future.

3. Design like you give a Damn (edited by Architecture for Humanity), is a book that summarizes architectural responses to humanitarian crises, communities in extreme poverty, disaster areas, very remote places and conflict zones. Extraordinary.

4. Form Follows Function by Johannes Kepler / Carsten Nicolai / Frei Otto / D'arcy W. Thompson

5. A Guide to Tropical Plants of Cosa Rica by Willow Zuchowski (actually all the tree and plant guides published by InBio are excellent, I use them almost daily).

To look at:

6. Inez Van Lamsweerde & Vinoodh Matadin (fashion photographs and portraits, it's a very sexy book)

7. Roberto Burle Marx (visionary landscape designer of the Brazilian modernism era) by Hoffmann Nahson

On my night table always:

8. Tao Te Ching, by Lao Tzu (very practical zen wisdom that helps me to be a better mom… I also cherish that it was a gift from a very dear friend)

My treasures:

9. The complete collection of Encyclopedia Britannica from the 50's that I inherited from my father-in-law. All of my father’s books from the 60's, and all of my grandmothers’, who left me her entire library as well. 

10. The Unbearable Lightness of Being by Milan Kundera. (I love the version a friend lent me in the nineties and I never returned… what I like the most are all his notes, comments and annotations...)

11. Man's Search for Meaning by Viktor Frankl (a little self help, because why not?)

12. And finally, like the rest of the world, I'm reading Sapiens: from animals to Gods, from Yuval Noah Harari and so far I'm quite enjoying it....

Photography Juan Tribaldos

Hair and makeup Natalia Briceño for Babyface

Styling Irene Mena and Oscar Ruiz-Schmidt

Los objetos, dancing with strangers, everything itself y el espacio, con Paz Ulloa. by Obra Gris

Conocí a Paz Ulloa a través de un amigo en común. Había visto su obra y me fascinaban los escenarios posibles que en ella se planteaban: una sucesión de objetos flotantes, a veces apenas delineados, otras poblados de color, una colección de formas expresivas que para mí detonaban un eco enigmático. En el 2015 retomé Obra Gris después de un hiato en mi vida personal y propuse una serie de colaboraciones que propiciaban encuentros con artistas a quienes admiraba, como Paz. La forma de abordar nuestro proceso fue muy fluida y una conversación abierta. Le mostré a Paz una serie de bocetos y siluetas y ella propuso una serie de patrones que luego se tradujeron al textil de la mano de Bárbara Cuevas

Oscar Ruiz Schmidt: La colaboración ha estado siempre dentro de tu proceso creativo, como cuando producías bajo el nombre W con Vinicio Jiménez. Cuando hicimos nuestra colaboración fue todo tan natural y fluido a pesar de que trabajamos contra el tiempo (what’s new!). ¿Cómo es para vos el ritmo del trabajo colaborativo?

Paz Ulloa: Justamente se trata de encontrar ese ritmo… a veces no existe y no hay colaboración. En mi caso, puedo decir que siempre me he sentido bien en las colaboraciones. Lo que más me gusta es que puedo ver las cosas frescas al no estar hechas/compuestas sólo por lo que hay en mi cabeza, lo cual a la vez ofrece objetividad para evaluar lo que está pasando en el proyecto. Respeto también el resultado de la mezcla de las partes, como si ese resultado fuera otra persona más en la colaboración. Ceder el control también me parece interesante. Todas las veces son retadoras y me dan la oportunidad de conocer cosas de mí misma y de las otras partes. Es una manera única de relacionarse con alguien. Tal vez sea similar a bailar con alguien que uno no conoce y ver cómo logra coincidir y además verse increíble.

Obra Gris Paz Apron Dress in black chinz with organza trim embellishment worn over a turtleneck mesh dress. 24K gold chain earring by Saint Desiderata.

ORS: ¿Cuál es el orden de tu proceso al pintar o diseñar? ¿Surge desde una imagen mental o viene mas bien del enfrentamiento directo con el canvas en blanco (ya sea virtual o físico)?

PU: Imagen mental en la mayoría del tiempo, pero ha sido todo un entrenamiento, jaja… al inicio las cosas de mi mente quedaban “lost in translation” y era raro… entonces practiqué mucho. A veces con métodos o en lugares no tan cómodos. Me di cuenta que eso lograba abrir el canal de comunicación entre lo que uno tiene en la mente (o hasta lo que hay en el cielo) y lo que sale del lápiz. También empecé a dibujar con otras personas y así empezar a entender lo que hablamos en la pregunta anterior. Eventualmente todo mejoró. En los últimos dos años las piezas sólo aparecen en mi mente, en varias formas y técnicas y lo único que falta es hacerlas.

Mi manera de observar y atender mi realidad me da mucha información y he aprendido a “condensar” todo esto en mis representaciones abstractas que son retratos de la naturaleza y las relaciones humanas. Todo esto está muy presente a la hora de hacer las piezas, cargándolas de esta información.


Me complace mucho lograr traducirlas a este mundo en el que vivimos y en ese momento pasan otro montón de cosas… igualmente creo que ese enfrentamiento del que hablás siempre sucede.

Obra Gris Marquesa Coat and Brick Blouse in sheer silk organza

ORS: En tu obra parece que el tiempo se congela de alguna forma, y que en ese espacio “temporal” se ubican objetos del pasado, del futuro, yacimientos naturales y minerales, como cuando integras un nido en una instalación, o fragmentos de troncos. ¿Para vos la idea del tiempo es una inquietud?

PU: ¡Eso me pone muy feliz oírlo!. Busco precisamente hacer una realidad con nuevas reglas y eso definitivamente incluye el tiempo. Trato de hacer un espacio que haga a las personas inquietarse, preguntarse cosas del tiempo, de la naturaleza, de los colores y de cualquier cosa que rompa su línea de pensamiento en ese momento. Mi mayor deseo siempre es que los demás estén curiosos al ver lo que hago, que lleguen a contemplar mis piezas para poder darles ese espacio en su mente. En estos tiempos cada vez es más difícil… Trabajo todos los días para tratar de lograr eso.

ORS: Tu gusto se traslada naturalmente a tu espacio, a tus elecciones por materiales específicos y obviamente también a tu imagen personal. Si tuviera que describirte como un material diría terciopelo púrpura. ¿Cuales son tus cosas/materiales favoritos?

PU: Mis favoritos son los materiales transparentes. El cristal y el vidrio. No tengo muchos, pero son los que más me gustan ahorita. Amo las rosas, las piedras y la madera. Colecciono cosas que representan a mis amigos y al planeta tierra. Estas cosas las tengo en mi casa, están por todo lado.

Obra Gris Japanese Transformable dress in grey jacquard with foil embellishment

ORS: Por último, si tuvieras que hacer un autoretrato musical, ¿cómo sonaría?

PU: ¡Esto siempre cambia!. Es un autoretrato, no un playlist:

IMG_0179.jpg

I am So Curious, Saâda Bonaire

Mugwort, MF Doom

Verminkte Toekan, Center Parcs: Palmbomen & Betonkust

Pink Slime, Ariel Pink

Lihue, Nohelani Cypriano

The Sweetest Taboo, Sade

It’s So Different Here, Rachel Sweet

Africa, Sun Ra

I´ll Stay, Funkadelic

And You and I, Yes

Southern Nights, Allen Toussaint

Martinica Dance, Stelvio Cipriani

Pink Steam, Sonic Youth

I met Paz Ulloa through a mutual friend. I had seen her work and felt fascinated by the possible scenarios that she introduced: a succession of floating objects, sometimes barely outlined, other times blooming with color; a collection of expressive shapes that for me, detonate an enigmatic echo. In 2015 I took back Obra Gris after a hiatus in my personal life, and as a comeback I proposed a series of collaborations that allowed for encounters with artists I admired, such as Paz. The approach to our process was very fluid and an open conversation. I showed Paz a series of drawings and silhouettes I was working on and she proposed a series of prints that were later translated to textile by hand of Bárbara Cuevas.

Oscar Ruiz Schmidt: Collaboration has always been a part of your creative process, like when you produced work under the name W with Vinicio Jiménez. When we did ours, everything was natural and quite fluid even though we had a tight deadline (what’s new!).  In your view, what is the ideal rhythm for collaborative work?

Paz Ulloa: It's just about finding that rhythm... sometimes it doesn't exist and then there's no collaboration… In my case, I can say that I have always felt good in collaborations. What I like the most is that I can see things fresh when their not made or composed only by what's in my head, which at the same time offers objectivity to evaluate what is happening in the project. I also respect the result of the mix of the parties involved, as if that result were another person within the collaboration. Giving up control also seems interesting to me. Collaborations are always challenging and give me the opportunity to learn things about myself and others. It's another way of relating to someone. Maybe it's a bit like dancing with someone you don’t know while trying to match a tempo and also trying to look amazing.

Limited edition Obra Gris neoprene shell coat in collaboration with De Islas 

Oscar Ruiz Schmidt: What is the order of your process when painting or designing? Does it start with a mental image or rather from direct confrontation with a blank canvas? (either virtual or physical)

Paz Ulloa:

It starts with a mental image most of the time, but it's been a lot of training! haha... at the beginning, things in my mind were "lost in translation" and it was weird ... so I practiced a lot. Sometimes with uncomfortable methods or places. I also started drawing with other people and this helped understand what we just talked about in the previous question. Eventually it got better. These past two years ideas appear in my mind, in various forms and techniques and the only thing that remains is to physically make them. 

My way of observing and tending to my reality also provides great information and I have learned to "condense" all of this in my abstract representations of nature and human relations. All of this is present when making the pieces, charging them with this information.

I'm pleased to translate them into the world we live in and then so much else happens in this realm... this confrontation you're talking about always happens. 

 

Obra Gris Olympics tunic, in collaboration with Paz Ulloa, worn over a mesh turtleneck dress and a silk organza overlay skirt.

Oscar Ruiz Schmidt: In your work it seems that time freezes in some way, and that in that "temporary" space there are objects of the past, of the future, natural and mineral deposits, as when you integrate a nest in an installation, or fragments of tree trunks. Is the idea of time one of your concerns?

Paz Ulloa: I'm so happy to hear that! I'm trying to create a reality with new rules and that definitely includes time. I try to make a space that makes people curious and pose questions about time, nature, colors and anything that interrupts their line of thought at that moment. My greatest wish is that others are curious to see what I do, that they come to contemplate my pieces in order to give them that space of mind. In these times it's getting harder and harder... I work every day to try to achieve that.

Oscar Ruiz Schmidt: Your taste translates naturally to your space, to your choices for specific materials and obviously also to your personal image. If I had to describe you as a material I would say purple velvet. What are some of your favorite things?

Paz Ulloa: See-through materials are my favorite. Crystal and glass. I don't own very many, but they're my favorite. I love roses, stones and wood. I collect things that represent my friends and planet earth. These things are around my house, they're all over. 

Obra Gris custom-made silk organza dress in collaboration with Paz Ulloa, with hand made embroidery using Swarovski crystals, pearls, appliqués, leather, embellished chains and trimmings.

ORS: Lastly, if you had to make a musical self portrait, what would it sound like?

PU: This changes constantly!. This is a self portrait, not a playlist:

I am So Curious, Saâda Bonaire

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Mugwort, MF Doom

Verminkte Toekan, Center Parcs: Palmbomen & Betonkust

Pink Slime, Ariel Pink

Lihue, Nohelani Cypriano

The Sweetest Taboo, Sade

It’s So Different Here, Rachel Sweet

Africa, Sun Ra

I´ll Stay, Funkadelic

And You and I, Yes

Southern Nights, Allen Toussaint

Martinica Dance, Stelvio Cipriani

Pink Steam, Sonic Youth

 

 

PHOTOGRAPHY Juan Tribaldos

HAIR AND MAKEUP  Natalia Briceño for Babyface

STYLING Irene Mena and Oscar Ruiz Schmidt for Obra Gris

Around el mundo with Elena Rohrmoser by Obra Gris

Conocí a Elena Rohrmoser hace unos años por amigos en común. El año que llegué a vivir a Berlín, Elena se estaba regresando a Costa Rica y no coincidimos sino hasta unos 3 años después, en el 2013 de regreso en San José. Desde que nos conocimos hubo empatía inmediata y nos conectaba el interés por la ropa vintage, el arte y el diseño además del idioma alemán. A lo largo de los años hemos cultivado una hermosa amistad y ahora tengo el honor de tenerla entre mis coleccionistas y considerarla una musa, además de la imagen de la última colección. 

Empezamos así esta serie de visitas a amigas cercanas de Obra Gris junto con el fotógrafo Juan Tribaldos y el maquillaje y peinado de Natalia Briceño, retratándolas en sus casas y estudios en San José, luciendo piezas de la marca en su contexto. La casa de Elena fue diseñada por la arquitecta Carla Carranza.

Oscar Ruiz-Schmidt: Elena, vos has seguido un recorrido peculiar y tenés un bagaje enorme de conocimiento y experiencia. ¿Cómo describirías tu formación mixta?

Elena Rohrmoser: Jaja! Estas son de las preguntas más difíciles de responder. Yo creo que si tuviera que describirla sería como un cocktail de extraños talentos en las industrias creativas. Creo que es la curiosidad de viajar (y haber vivido en tantas ciudades diferentes), la pasión por el cine y conocer sub-culturas, mi amor a la música, moda y arte (Matisse meets Godard meets brit-pop meets Kraftwerk meets Proenza meets…), estar en el tiempo y momento adecuado y abierta a fascinarme por toda la gente a mi alrededor. He tenido muchísimos trabajos en todas estas industrias, yo diría que de alguna manera siendo una especie de "conectora/curadora" de ideas. Todo nace de que amo las historias y la psicología y me es fascinante conocer a las personas, me obsesiono con las biografías y entonces quiero ayudarlas a poder desarrollar sus talentos artísticos. Para ponerlo más fácil (y que suene mega aburrido), lo definiría como una "event curator" o "productora". Pero en realidad desearía decir que soy artista, whatever that means.

ORS: ¿Cuál fue tu última carrera de estudio?
ER: Mi última carrera fue una maestría en Parsons The New School en Nueva York de comunicación de Moda y Arte.

Chaleco de chinz con aplicaciones en foil y flecos. Aretes de piezas antiguas de bakelite y cristal.

ORS: ¿En cuales ciudades has vivido?

ER: Bangkok, Berlín, Londres, Madrid, San José, Nueva York

ORS: ¡Contános del proyecto Aguas Claras en el que has estado trabajando desde hace un tiempo!

ER: Hotel Aguas Claras (localizado en Cocles de Puerto Viejo de Limón, adonde voy desde que nací) es en realidad el proyecto de vida de mi mamá, que es una gran artista y mi héroe personal. Originalmente nació de una idea que teníamos mi primo Jorge Elbrecht y yo, de buscar locaciones en Puerto Viejo para construir un estudio de música para que bandas pudieran venir a grabar en la selva/playa. Luego Jorge se fue en una gira muy larga con Ariel Pink y yo estaba en Nueva York terminando la maestría, entonces el proyecto no se dio en ese momento. Mi mamá siguió buscando locaciones y así descubrió el antiguo Aguas Claras. 

Ella decidió renovar (mejor dicho comenzar de nuevo) el hotel con el concepto de un eco luxury victorian caribbean hotel adonde la mayoría de los materiales de las casas son re-utilizados. Tenemos paneles solares y hay muchos artistas locales y arquitectos involucrados. Es un hotel pero también es un concepto de comunidad artística con mucha atención al detalle y al well-being. Yo estoy trabajando con el diseño de interiorismo y actualmente organizando futuros eventos para el hotel, entre ellos una residencia de arte y muchos conciertitos y cosas chivas (pero shhhh jeje).

ORS: ¿Cómo describirías tu estilo personal?

ER: Dries Van Noten meets Nirvana. Lo que más me gusta es sentirme cómoda con la persona que soy. Cada día me siento un poquito diferente, a veces un personaje más como vago-surfer, a veces más elegante y minimalista, a veces más hippie y eso es lo que me gusta de usar Obra Gris, que me siento confiada y bonita pero lo más importante yo misma.

ORS: ¡Contanos tus top 10 canciones favoritas!

ER: ¡Wow qué difícil! Tengo canciones favoritas todas las semanas pero las que más he escuchado recientemente son:

records.jpg

Continental Breakfast, Kurtvile y Courtney Barnett

Unfucktheworld, Angel Olsen 

Flesh to Ash, Jorge Elbrecht

Como te voy a Olvidar, Los Angeles Azules

Auto Neutron, Fat White Family

Sacred Sands, Allah Las

Où va le Monde, La Femme

Astral Plane, The Modern Lovers

Loveleen, Rejje Snow

George's Waltz, Abel Korzeniowski

______________________________________________________________________________

Elena Rohrmoser and I met a few years ago through friends in common. The year I moved to Berlin, Elena was moving back to Costa Rica so we didn’t cross paths until 3 years later, in 2013 back in San José. When we met we bonded immediately over vintage clothing, art, design and the german language. Along the years we have cultivated a beautiful friendship and I have the honor of having her amongst our collectors and considering her a muse, besides her gracing the look book from our latest collection.

Thus we begin this series of visits to close friends and brand ambassadors, along photographer Juan Tribaldos and hair and make-up artist Natalia Briceño, and taking their portraits wearing Obra Gris in their homes and studios. Elena's house was designed by architect Carla Carranza.

Elena wears a silk organza dress with foil applications and a mesh underdress.

Oscar Ruiz-Schmidt: You’ve followed a peculiar path, and you’ve amassed huge baggage of knowledge and experience. How would you describe your mixed training?

Elena Rohrmoser: Haha! These are some of the most difficult questions! I think if I had to describe it, it would be a cocktail of strange talents from various creative industries. I think it’s a curiosity from traveling (and having lived in so many different cities), a passion for film and subcultures, my love for music, fashion and art (Matisse meets Godard meet brit-pop meets Kraftwerk meets Proenza meets…) being at the right time in the right place and letting myself be fascinated by the people around me. I’ve had lots of jobs in all these industries, being a type of “idea conector/curator” I would say. For me it all begins with stories and psychology and I find it fascinating meeting people; I become obsessed with biographies and I want to help people develop their artistic talents. To put it in simpler words (and not sound mega boring) I would define it as an “event curator” or “producer”. But honestly I would prefer to say artist, lo que sea que eso signifique. 

 

Elena wears a custom made dress of silk organza, iridescent cotton and velvet tulle, with hand appliqués and embroidery by Bárbara Cuevas.

ORS: What was your last degree on?

ER: I last finished a master in Art and Communication at Parsons The New School in New York.

Silk charmeuse Gata Robe, loose pants and slip top in midnight blue.

ORS: Which cities have you lived in?

ER: Bangkok, Berlin, London, Madrid, San José, New York.

ORS: Tell us about the Aguas Claras project you’ve been working at for while now!

ER: Hotel Aguas Claras (located in Cocles, Puerto Viejo de Limón, where I’ve been going since I was born) is actually my mother’s life project. She’s a great artist and my personal hero. The idea came from an idea me and my cousin Jorge Elbrecht had, of finding a location in Puerto Viejo for building a music studio so bands could come an record at the jungle beach. Jorge went then on a long tour with Ariel Pink and I was in New York finishing my master studies, so the project didn’t take on just then. My mother went on looking for locations and that’s when she found the old Aguas Claras.

She decided to renovate (or rather start over) the hotel with the concept of eco luxury victorian caribbean hotel, where most of the materials are recycled. We have solar panels and their are many local architects and artists involved. It’s a hotel but it also holds an artistic community and there’s a lot of attention to detail and well-being. I’m working on the interior design and currently organizing  future events for the hotel, amongst other and artist residency program and loads of concerts and cool stuff (but shhhh haha).

Elena and her boyfriend, artist Christian Wedel and his painting hanging in their living room. Elena wears a tulle and glitter dress.

ORS: How would you describe your personal style?

ER: Dries Van Noten meets Nirvana. What I like the most is to feel like myself. Everyday I feel a little bit different, sometimes it’s lazy-surfer style, sometimes more elegant and minimalistic, other days a bit more hippie, and that’s what I like about wearing Obra Gris, that I feel confident and pretty but most importantly myself.

ORS: What’s your top ten favorite song list?

ER: The toughest question! I have favorite songs each week but here’s the ones I’ve been listening to lately:

IMG_6221.jpg

Continental Breakfast, Kurtvile and Courtney Barnett

Unfucktheworld, Angel Olsen 

Flesh to Ash, Jorge Elbrecht

Como te voy a Olvidar, Los Angeles Azules

Auto Neutron, Fat White Family

Sacred Sands, Allah Las

Où va le Monde, La Femme

Astral Plane, The Modern Lovers

Loveleen, Rejje Snow

George's Waltz, Abel Korzeniowski

Photography Juan Tribaldos

Hair and makeup  Natalia Briceño for Babyface

Styling Irene Mena and Oscar Ruiz-Schmidt for Obra Gris

 www.christianwedel.com  / www.hotelaguasclaras.com

Sobre Two Mundos y el amor por el handmade. ¡hola NYC! by Obra Gris

La primera vez que vi el trabajo de Gabriela Valenzuela-Hirsch fue en su tienda Heartwood entre Tamarindo y Langosta de Santa Cruz de Guanacaste. Por fuera una gran vitrina con el nombre Heartwood sobre el cristal, la tienda que se ubicaba en una calle de polvo entre ambas playas contenía la obra de Gabriela. Su lenguaje visual se extendía a una serie de productos utilitarios con una sofisticación y manejo del material que en cada caso, hacían honor a la pieza y provocaban deseo en el usuario. Siendo estudiante, en esos años en los que pude visitar su tienda lo hice como quién visita una galería, pues me impresionaba el manejo de la técnica, la austeridad en el tratamiento y la variedad de texturas que se conjugaban en su obra.  

Gabriela Valenzuela-Hirsch + Jerry Hirsch / Michael Jackson, Yoko Ono,       Julia Roberts and Jack Nicholson all wearing GoSilk!

Además de haber fundado junto con su esposo Jerry la firma GoSilk, Gabriela fundó Heartwood y produjo por años una serie de productos utilitarios con tela, cuero, vidrio, madera, cerámica, porcelana, lana y corcho. En cada caso, trabajaba con talleres remotos con artesanos en comunidades en Guanacaste, Nicaragua, Portland y muchas otras cuidades. En noviembre del 2016 nos conocimos en la inauguración de la tienda NKO en la que vendemos estacionalmente y Gabriela nos compró una jacket. Cuando me mencionó dos o tres cosas de su biografía supe inmediatamente que estaba ante alguien que admiraba. En una visita al estudio pudimos intercambiar ideas y diseñar una serie de piezas para que ella usara en su próxima exposición en Nueva York.

Photos by Gabriel Hidalgo

Días después de su visita me llamó por teléfono para contarme su decisión de incluir nuestro trabajo en su muestra, junto con el de una serie de diseñadores locales para promocionar nuestro trabajo en otras latitudes y de afianzarnos a un mercado más grande y ambicioso. Bárbara Cuevas y yo, comenzamos a trabajar en un macramé colgante para la pared, en el que usamos 150 metros de cuerda de algodón, pastes intervenidos con pintura y látex y cuentas de gran escala talladas en madera de teca. La pieza tomó unas 80 horas de trabajo manual. La segunda pieza que desarrollamos es una alfombra de denim con foil, también hecha a mano en unas 50 horas. Durante la ejecución tuvimos asistencia de Salomón Pérez, Gabriel Hidalgo, Irene Mena, Stephanie Argüello, Rosa Obando y Rolando Chan.

Photos by Oscar Ruiz-Schmidt and Nicole Horton 

Tuvimos semanas intensas de trabajo y finalmente llegó Mayo. Volamos a Nueva York a instalar ambas piezas y a colaborar en el montaje de la muestra Two Mundos, con la curaduría de Gabriela Valenzuela-Hirsch, dirección artística de Laura Valenzuela para Regeneration Furniture. Agradecemos a Valerie Guariglia y Christine Miele de Regeneration por ofrecernos su espacio y confiar en nuestro trabajo y a los colegas diseñadores María Jose Nuñez, Bernadette Prada, Muriel Haerens, Dimay Valenzuela, Esteban Cardona, Viviana Araya y Mariela Salazar. El esfuerzo en conjunto recalca la importancia de unirse y crear plataformas entre diseñadores y espacios artísticos y comerciales. Las piezas pueden adquirirse en este link. La muestra permanece abierta hasta el 11 de Junio en Regeneration Furniture, 38 Renwick Street, Soho, New York.  

Oscar Ruiz-Schmidt

Aquí el comunicado de prensa.

About TWO MUNDOS and the love for handmade. ¡HOLA NYC!

The first time I came across Gabriela Valenzuela-Hirsch's work was at her shop Heartwood, located between the beaches of Tamarindo and Langosta in Santa Cruz, Guanacaste. A large glass front had the hand painted name Heartwood running across with white. The shop sitting nonchalantly on a dusty road was home to Gabriela's work. Her visual aesthetics extended onto a series of utilitarian objects with a sophisticated approach and an elegant use of material, which in each case, honored the object and ushered desire into the person gazing at it. Me, in the early years of my BFA, visited her shop as one visits a gallery, and wondered at her skillfully mastered craft and technique, an austere approach in treatment and a wide array of textures that came into play in her body of work. 

Photos by Gabriel Hidalgo

In addition to having founded GoSilk along with her husband Jerry Hirsch, Gabriela produced under the name Heartwood for many years a series of products made out of fabric, leather, glass, wood, ceramic, porcelain, wool and cork. In each case she worked with satellite workshops with artisans based in Guanacaste, Nicaragua, Portland along with many other cities. In november of 2016 we met at the opening of the store NKO (who sells Obra Gris seasonally) where she bought one of our jackets. She mentioned a couple of biographic details and I knew right away I was talking to someone I admired. In her first visit to our studio we exchanged some ideas regarding a set of pieces we would make for her upcoming New York exhibition. 

Pictures by Nicole Horton

A few days after her visit she called me on the phone to tell me of her decision of including our work along with a few other local designers as part of her show, in order for our work to reach new latitudes with a larger audience and a bigger and more ambitious marketplace. Bárbara Cuevas and I, started working on a large scale macramé, in which we used 150 meters of cotton rope, large lucas dipped in paint and latex and oversized teak wood beads. The piece took around 80 hours of work. The second piece we developed is a hand-made denim rugged with copper foil treatment around the trim, that took another 50 hours to make. During the making of both, we had the help of Salomón Pérez, Gabriel Hidalgo, Irene Mena, Stephanie Argüello, Rosa Obando and Rolando Chan.

Pictures by Nicole Horton

We had intense working weeks when finally May came. We flew to New York to install both pieces and join the group effort to put on the exhibition Two Mundos, curated by Gabriela Valenzuela-Hirsch, art direction by Laura Valenzuela for Regeneration Furniture. We would like to thank Valerie Guariglia and Christine Miele of Regeneration for hosting us and supporting our work and also our colleagues María Jose Nuñez, Bernadette Prada, Muriel Haerens, Dimay Valenzuela, Esteban Cardona, Viviana Araya and Mariela Salazar. The joint effort highlights the importance of creative and collaborative platforms finding resonance. All the pieces are available for purchase here.The exhibition is open until June 11th at Regeneration Furniture, 38 Renwick Street, Soho, New York.  

Oscar Ruiz-Schmidt

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Gente, Leute, People, we pick each other by Obra Gris

Al finalizar la presentación de Run Run en abril de este año, mi hermana Maya se acercó después del show y me dijo: "esto fue justo como cuando estábamos pequeños y vos te inventabas un juego y un mundo y todos se apuntaban a tu idea y la encarnaban y la pasaban bien."

A lo largo del camino y del emprender en Obra Gris ha habido un magnetismo con toda la gente que ha sido parte del proyecto, con la energía puesta en convertirnos en un equipo de trabajo interdisciplinario. Hemos aprendido haciendo, y cada quien ha traído su bagaje y sus experiencias para construir otras, con el anhelo de convertirnos en un proyecto sostenible con un producto honesto y sensato

Estas colaboraciones han sido temporales, desinteresadas y alineadas con una serie de razones que motivan al ser humano a colaborar y a ser parte de una causa. Un intercambio así es un diálogo entre diversos interlocutores con un fin común y los beneficios para cada una de las partes deberían de ser enumerables. 

En mi trabajo como director creativo me corresponde dar una guía clara sobre el camino para cada colección respetando los principios de marca y dar seguimiento a cada uno de esos procesos hasta ser completados. 

En el taller compartimos entre patronistas, modelistas, costureras, sastres, diseñadoras textiles y gráficos. Todas las imagenes que han resultado de nuestro proceso de diseño han sido logradas en colaboración con grupos de fotógrafos, modelos, maquillistas y estilistas de cabello.  Para la puesta en escena pensamos en set, visuales, música, casting, maquillaje, peinado y estilismo. Estos grupos se arman y se desarman según la necesidad y la ocasión y es imposible mantenerlos funcionando regularmente por falta de recursos, que es una realidad para toda empresa. 

Con nuestro quehacer queremos hacer conciencia sobre cada acto de consumo y la cadena humana que está detrás. Así como el nuestro, hay colectivos dedicados a pensar y crear que quieren poder dedicarse a lo que aman y vivir bien haciéndolo. Tal vez usted mismo alberga una idea similar. Le invito a buscar los que están en su comunidad y a conocer sus historias. Yo seguiré escribiendo aquí sobre la mía, la gente que me rodea y me mantiene ferviente!

Salud, Oscar.

By the end of our Run Run presentation this last april, my sister Maya approached me and said: "this went just like when we were little and you would get everyone into playing some game you came up with and everyone went along and had an awesome time."

Along our path as Obra Gris, there has been a steady magnetism with every person that has been part of the project, a gathering of energy aiming at team work. We've learned by doing, and everyone has brought their own baggage along with their experience, with the hope of becoming a sustainable project with an honest and rational product. 

These multiple of collaborations have been temporary, monetarily unbound and aligned with a series of reasons that motivate human beings to collaborate and to become a part of a bigger cause. An exchange of this type is a dialogue amongst peers with a common goal and the benefits should be enumerable for all parties involved.

In my job as Creative Director at Obra Gris it is my duty to brief all team members clearly about the direction to take for each collection, while following our brand values. I oversee all processes from beginning to end and align them towards the end into one coherent vision. 

Our studio is made up of pattern makers, sample makers, seamstresses, tailors, textile and graphic designers. Every image we put out is a result of further collaborations with photographers, hair and make up artists, models and casting agents. For our presentations we bring in set, visuals and music. These groups come together at specific moments and it would be financially impossible to keep them active permanently for lack of resources, a reality most start-ups face.

Throughout our endeavor we would like to raise awareness towards the way we consume, and the human chain that is behind each human activity. Just like us, there are many groups of people thinking and creating and figuring out ways of living well from from what they love to produce. Perhaps you have ideas of your own you would like to put into practice. I hereby invite you to look out for those groups of people in your community and learn more about their stories. I shall keep on writing my own, about the people that surround me and keep me going!

 

Cheers, Oscar

El camino a NYC or about the shape of things to come by Obra Gris

El camino del emprendedurismo es una prueba de carácter. Se requiere de persistencia, testarudez y absoluta convicción en el proyecto original. Uno puede tener muchas ideas, pero si no hace nada con ellas no existen. Por otro lado, para ver la luz, todos los proyectos requieren de conocimientos que van más allá de la creatividad a como la aprendemos en las escuelas de diseño. En mi recorrido he ido conociendo a mucha gente clave que se ha entusiasmado con el proyecto Obra Gris y quienes se han ido sumado al equipo. 

El año pasado Melissa Hooker y Lucía Romero fueron mi mano derecha (¡e izquierda!) para la creación de la colección Anagrama. Junto con Bárbara Cuevas, diseñadora textil, y Paz Ulloa, artista visual con quién colaboramos en estampación, dimos vida a una colección de 30 outfits que mereció el premio Diseñador Revelación otorgado por San Pellegrino durante el Mercedes-Benz Fashion Week San José.

Gracias a este premio pudimos asistir recientemente a Nueva York durante la Semana de la Moda a presentar nuestra más reciente colección UNO a Capsule, una feria o tradeshow exclusivo para compradores de boutiques internacionales. 

Conmigo viajó Irene Mena, Brand Manager para Obra Gris, quién junto con David McCrea han sido mi espina dorsal en tema de administración, proyección de crecimiento, estrategia de negocio pero también amistad incondicional. En nuestros días en la alucinante ciudad, recibimos mucha retroalimentación, conocimos gente muy especial y poco a poco iremos concretando nuestros planes en lo que ha sido un aprendizaje constante para todo el equipo. 

Visitamos el Garment District en busca de nuevos materiales y proveedores, al fin le pusimos un rostro a personas que sólo habíamos conocido por correo electrónico y aprendimos a confiar en la buena voluntad de quienes nos han ido ayudando y abriendo puertas para colocar nuestros productos fuera de nuestras fronteras, quienes se convierten en cómplices de un proceso que es inclusivo y edificante.

El volcán Turrialba atrasó nuestro regreso una noche, pero ya estamos de vuelta en el taller desempacando nuevas ideas y materiales pero sobretodo invocando un pensamiento que regresa cada vez que visito Nueva York: la sensación de que todo es posible y se puede conseguir a punta de esmero.

Luchen siempre por sus sueños. 

Saludos, Oscar

 

The path of an entrepreneur is a test of character. It requires persistence, a certain stubbornness and an absolute conviction about the specific endeavor taking place. You might have many good ideas but if you don't do anything with them they don't really exist. On the other hand, in order to see the light, all projects require knowledge beyond what is normally taught at design schools, to my knowledge. In my own path I've met many people that have jumped on board and become key to the development of Obra Gris.

Last year, Melissa Hooker and Lucía Romero where both my right and left hand for the creation of our collection Anagrama. Together with Bárbara Cuevas, our textile designer, and visual artist Paz Ulloa who created prints and patterns, we gave life to a 30 outfit collection that won us the San Pellegrino prize for Best New Designer at Mercedes-Benz Fashion Week San José

Thanks to this award we were able to attend New York Fashion Week to present our newest collection UNO at Capsule show.

Brand Manager Irene Mena came with me on this trip. She and David McCrea have played an integral part in developing a business strategy, in projecting our growth but also in the purest of friendships. During our stay in the alluring city, we received amazing feedback, we met many special people and step by step we shall unfold our plans in what has been a steady learning for all team members.

We visited the Garment District in search for new materials and suppliers, were able to put faces to names, and learned to trust the good will of everyone who has helped us open doors to place our products abroad, in the process becoming accomplices in a project that is both inclusive and uplifting.

Turrialba Volcano delayed our return flight for one night, but we are back at the studio unpacking new ideas and materials, though most of all drawing from a feeling I have everytime I come back from New York: the feeling that anything is possible and can be achieved through dedication and perseverance. 

Always fight for what you want.  

Cheers, Oscar

 

Múltiplo, una revisión or to pause is to think by Obra Gris

Hace un año, gracias a una invitación para exponer en La Erre en Guatemala, tuve la oportunidad de hacer una pausa en el día a día, distanciarme de mi espacio y de hacer una visita al trabajo que se había hecho bajo el nombre Obra Gris hasta la fecha. Esa muestra sirvió como reflexión para muchas instancias, tanto entorno al proyecto como personales. En los muros de la galería exhibimos imágenes de nuestro recorrido, que incluían desde proyectos de los años de estudio, hasta la colección Anagrama y algunos editoriales derivados de esa colección. 

El montaje fue sigiloso e intuitivo; mientras íbamos colocando las imágenes y objetos a lo largo del perímetro en blanco, sirvió para hacer una reflexión sobre el trabajo en equipo, el espíritu de colaboración y como convertir una visión o una idea en algo tangible. La muestra fue dedicada a Ingrid Cordero, quién fue co-creadora del proyecto además de mi compañera de vida. Juntos vivimos y estudiamos en Berlín donde se gestó inicialmente Obra Gris. Así que revisar las imágenes en los muros fue también repasar una historia en común. Hábitos, la última colección que hicimos juntos, se exhibió en la Galería Equilátero en San José en enero del 2014. Ingrid continúa con un proyecto personal de empoderamiento a través del D.I.Y. en la ciudad de Panamá, además de una tienda en el Casco Antiguo.

Recapitulando, después de una pausa que sirvió para meditar sobre el futuro y mis planes, retomé Obra Gris en el 2015 con la colección Anagrama. Esa transición significó muchas nuevas posibilidades, abrió nuevos caminos y fue el inicio de un segundo capítulo en el que se incorporaron nuevos colaboradores, interlocutores y amigos. En eso consistió la muestra en La Erre que se tituló Múltiplo, en emular un gesto que se propaga, se ramifica, se expande. Un rizoma. 

Por los nuevos comienzos. 

Saludos, Oscar

Last year, thanks to an invitation to exhibit at La Erre in Guatemala, I had the opportunity to pause for a moment, distance myself from my space and to review all the work up to date under the name Obra Gris. The exhibition was also a gathering point for many revolving ideas, around the project as well as personal. On the walls of the gallery we put up images from our archive so far, which included things from my student years and up to Anagrama (SS15 collection) plus a few editorials that came after that.

Putting up the show felt both paced and intuitive; as we were placing pictures and objects along the white gallery space, a reflection period came about and I thought a lot about team work, the spirit of collaborations and about how to turn a vision or an idea into something tangible. The exhibition was dedicated to Ingrid Cordero, who was co-creator of the project as well as my life partner. Together we lived and studied in Berlin were Obra Gris was originally conceived. Going through the imagery on the walls felt also like revisiting our common history. The last collection we did together was Hábitos and it was shown at Galería Equilátero in San José in January of 2014. Ingrid went on to pursue a personal project of empowerment through D.I.Y. craft in Panama City, and opened up a shop at Casco Antiguo.

After a pause which helped me meditate about my future and my plans, I found new inspiration and retook Obra Gris in 2015 with the collection Anagrama. This transition meant many new possibilities and opened up new paths and made way for a new chapter that welcomed a roaster of new collaborators and friends. The exhibition at La Erre was accordingly named Multiple, emulating a gesture that branches out, that expands, that propagates. A rhizome.

Here’s to new begginings,

Cheers, Oscar